Théodore Duret, crítica al Almuerzo sobre la hierba de Manet

Alejandro Cernuda

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Théodore Duret fue un periodista francés, crítico de arte, consejero de grandes coleccionistas. Nació el 20 de enero de 1838, en París y estuvo presente en todo el proceso que dio lugar al arte impresionista. Pese al apoyo de escritores como Alphonse Daudet, Ernest d'Hervilly y Emile Zola, muy pocos intelectuales de su época tuvieron tanto protagonismo como él en la aceptación y entendimiento entre el público y aquella nueva ola de artistas que pretendían, y así lo hicieron, cambiar los valores estéticos y argumentales de la pintura.

Uno de los aspectos más conocidos de la vida de Théodore Duret es su trabajo, como consejero de arte, para Louisine Havemeyer, la célebre coleccionista norteamericana, filántropa y feminista destacada de su tiempo.

Algunas obras de Théodore Duret

• Los pintores franceses en 1867
• Viaje a Asia: China, Mongolia, Japón, Java, Ceilán e India (1874)
• El pintor Claude Monet. Notas sobre su obra (1880)
• Historia de Édouard Manet y su obra (1902)
• Historia de los pintores impresionistas: Pisarro, Claude Monet, Sisley, Renoir, Berthe Morrisot, Cézanne, Guillaumin (1906)
• Visión de la Francia moderna (1913)
• Vincent Van Gogh (1916)
• Renoir (1924)

Ya hemos visto en otra ocasión que el periodista Louis Leroy puso nombre al impresionismo y trató de ridiculizar este revolucionario movimiento artístico, aún en ciernes en ese momento, en el Primer Salón de 1874. Pero las primeras huellas de aquel movimiento, que hoy nos parece normal y necesario, se remontan a seis años antes, cuando en 1868, durante la exposición de ese año, a un pintor llamado Édouard Manet se le ocurrió presentar su cuadro Almuerzo sobre la hierba.

En la traducción de este fragmento se da testimonio de aquella exposición suplementaria, gracias a Napoleón III, que dio la oportunidad de exhibir a los pintores rechazados por el Salón de ese año.

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Traducción de un fragmento de Historia de Édouard Manet y su obra

Texto de Théodore Duret.

La Obra de Édouard Manet. Almuerzo sobre la hierba. Inicio de la revolución en el arte conocida como Impresionismo

En el año 1863 Manet había cumplido los 31 años. Su vida estaba comprometida con el trabajo, con despejar el camino para descubrirse a sí mismo. Esto lo llevó a producir obras de carácter cada vez más personal, lo que le conduce al éxito. Mientras buscaba algo innovador en la creación completó su Almuerzo sobre la hierba.

El cuadro fue pintado a principios de 1863, y es, por sus dimensiones, la obra más grande que había producido hasta ese momento. Lo presentó en el Salón de ese año y fue rechazado por el tribunal examinador; así, Édouard Manet se vio en la misma situación en la que se encontró en el año 1859: condenado por un jurado.

Sin embargo, ese año ocurrió algo inusual: hubo 38 negativas, lo que hizo subir el reclamo de muchos jóvenes artistas. Las protestas vinieron de todas partes, hasta el punto de que llegaron hasta el propio emperador. La Academia de Bellas Artes continuó viendo buenas razones en el jurado, pero Napoleón III permitió que las obras rechazadas fueran exhibidas en el Palacio de la Industria, cerca de la exposición oficial. Se llamó a esta la Exposición sin fondos. Fue un espectáculo memorable. Allí se exhibieron obras de Bracquemont Cals, Cazin, Chintreuil, Fantin-Latour, Harpignies, Jongkind, Jean-Paul Laurens, Legros, Manet, Pissarro, Vollon, de Whistler, ets.

El Almuerzo sobre la hierba, por sus dimensiones, necesitaba un espacio considerable, por lo que tuvo que ser colocado en el salón oficial. Eso lo ayudó a llamar la atención, pero lo hizo de una manera violenta. Ante él se levantó uno verdadero clamor de desaprobación Y en realidad las 39 obras diferían entre sí, en factura y proceso de creación, en los argumentos y la estética; diferían de toda aquella tradición que mientras estuvo en pie fue buena y loable.

Con esta pintura Manet demostraba una nueva forma, e inusual, de concebir el arte; una visión propia y original. Frente a los recién llegados se yuxtaponían los diferentes tonos, sin transición, algo que nadie había pensado hacer hasta ese momento. Veíamos a un hombre que negaba la práctica recibida. Demolía la universalmente respetada combinación de sombra y luz, diseñada como oposiciones fijas y remplazada ahora con distintas tonalidades de oposición. Lo que se enseñaba entonces en los talleres de pintura era que se debían establecer planos, dar forma a los contornos, que sólo en algunas ocasiones era necesario el uso de combinaciones de luz y sombra. Se pensaba que los colores brillantes no podían ir de un extremo a otro sin graduación, que la sombra debe fundir y suavizar.

Pero es aquí donde esta técnica de los talleres llevó a los pintores que raramente podían pintar a la luz natural. Poner un poco de claridad real sobre el lienzo estaba en oposición a esta técnica y había llevado a la producción de obras donde en realidad toda la luz se había ido; y cuando no hubo luz tampoco había vida. Casi todas las obras de la época usaban colores oscuros y sombras negras. Había desaparecido el brillo, los colores vivos y alegres, la sensación del aire libre, la naturaleza, la risa. El público se había acostumbrado a esta forma decadente de la pintura. Les encantaba. A ellos no se les puede pedir más. No sospechaban que la luz podía estar allí.

De repente El Almuerzo sobre la hierba puso delante de ese público una obra pintada por diferentes procesos. Había sombras en la pintura, pero no el eterno matrimonio entre ella y la luz. Eso no pudieron encontrarlo. Toda la superficie estaba bañada de luz, el conjunto era muy colorido. La sombra estaba conformada con colores menos brillantes y sin embargo, hasta en ellas había colorido y valor. El Almuerzo sobre la hierba estaba haciendo una tarea enorme. Daba la sensación de estar indignado y se enfrentó a la visión.

“Estamos descubriendo un cuadro abigarrado”, estas palabras fueron escritas por uno de los críticos más prestigiosos de la época, Paul Mantz, quien lo escribió en La Gaceta de las Bellas Artes. Habló de las obras de Manet con motivo de una exposición celebrada en Martinet, en el bulevar de los italianos, unas semanas antes de la apertura misma de la exhibición. Su juicio, plenamente correspondido por la sensación de que el público sentía, puso el Salón de los Rechazados, contra la obra de Manet.

Si el Almuerzo sobre la hierba se enfrentó, por su sistema de colores, a los procesos formales, planteó aún mayor indignación por la elección del tema y la manera de tratar a los personajes. No significaba sólo una manera de pintar y observar las reglas tradicionales, para el público también había sólo una estética admitida en los talleres.

Estamos honrados de lo que se llamó el ideal. Hemos concebido como gran arte la pintura aceptada por las grandes esferas, la pintura histórica y religiosa, las representaciones de la antigüedad clásica y la mitología. Sólo esas formas de arte parecían tener un carácter refinado y noble. Todos, artistas, críticos y público, estaban convencidos de ello.

Durante aquel Salón hubo preocupación en todos los niveles. Nos preguntamos si el arte estaba en decadencia o progreso. Los artistas que brillaron allí, los principiantes que lo produjeron y se comprometieron a reemplazar a los viejos maestros, atrajeron las miradas de todos. Para ellos hubo estímulo, elogios, recompensas. Este gran arte se había convertido en objeto de un culto nacional. Fue un honor para Francia el hecho de perpetuarlo. Ella mostró su superioridad sobre otras naciones en las formas de entender el arte.

Manet, a través de la elección y el tratamiento de su tema, estaba atacando a todos los sentimientos que los demás respetaban, negando el honor y el arte de la nación. En un lienzo de estas dimensiones, que entonces era reservado sólo para los llamados motivos idealizadoras, se pintó a sí mismo, en una escena realista, un almuerzo sobre la hierba.

Los personajes de tamaño natural, rechazando cualquier pose heroica, estaban acostados o sentados bajo los árboles, fiestas; incluso al lado de ellos se muestran en absoluto abandono, un montón de accesorios, bollos, cesta de frutas, un sombrero de paja, mujeres multicolores prendas de vestir.

¿Y cómo iban vestidos los personajes? Los dos hombres se representaban con cualquiera de esos trajes antiguos o extranjeros, muy diferente a la ropa en uso, lo que habría al menos permitido que el público reconociera una búsqueda de la forma pintoresca y embellecedora. No, esta vez estábamos en la presencia de personas vestidas de civil, una taza común, llevada a la medida de la esquina. Había una especie de desafío al público, una provocación.

Como si no fuera suficiente para causar indignación, Édouard Manet agrupó en el primer plano a dos varones con una mujer desnuda, sentada, doblada sobre sí misma, e incluso puso en el fondo a otra en traje de baño. Manet que había estudiado bien el desnudo clásico, sabía que todo alrededor de éste tiene que ser cultivado y honrado, que el desnudo constituye la esencia de grandes obras de arte. ¿Cómo pintar una escena real y poner en ella a una mujer desnuda?

La blancura de la carne proporciona contrastes con el negro de los trajes de los hombres, como si hubiera una zanja en mitad del cuadro. La idea de esta combinación le viene a Manet del cuadro Concierto campestre de Giorgione, que está en el Museo del Louvre. Pero a ojos del público había un abismo infranqueable entre el desnudo de Manet y los pintores venecianos del Renacimiento.

(Se dice que también Manet encontró inspiración en un fragmento del grabado de Rafael Sanzio, en él dos mujeres desnudas, de pie, se encuentran junto a dos hombres vestidos y sentados, indiferentes a otra cosa que no sean sus instrumentos musicales.),

La pintura animó a la burla. Se convirtió de esta manera en la obra más famosa de los dos salones y procuró una reputación brillante para su autor. Manet se convirtió en el artista más mencionado en París. Pero el tipo de reputación no era la que él quería. Soñaba con que la gente comprendiera la originalidad de la forma y el argumento que sólo se produce en las grandes obras. Que veríamos este éxito como una novela y el pintor entraría por el camino del triunfo y el apoyo del público. Sólo fue reconocido como un excéntrico rebelde, doblemente reprobado. Había una separación profunda entre el púbico y el que prometía una batalla sin fin.